La fama local

Entrevista publicada en el Diario El Rancagüino
Jueves 3 de mayo 2012

María José León, artista y gestora cultural
“Trabajo en espacios públicos porque no me interesa hacer arte para los artistas”

 Escrito por María José Castro Ortiz

 

De una manera directa y didáctica trabaja María José León, no se conforma con colgar un cuadro y ya, prefiere intervenir los espacios, crear una sensación en el público, invita a sentir y pensar.

Muchos critican y señalan que en la ciudad de Rancagua la cultura tiene una cabida muy pequeña, casi inexistente, y que además, la gente de esta ciudad tiene muy poco interés sobre el arte, hechos que denotan cierto grado de preocupación pero no de ocupación, ya que indicar, apuntar, destacar, son acciones que poco dejan, es por eso que tomar cartas en el asunto es fundamental, tal como lo hace María José León, artista y gestora cultural nacida y criada en la zona de la discordia.

Coté, como la llaman todos, desde hace varios años que trabaja de forma diferente, identificó la realidad de Rancagua y se acomodó a ella, entregando proyectos que atraen a las personas, que los invade invitándolos a sentir y pensar, es por ello que el año pasado montó una intervención pública en el Mercado de Rancagua, proyecto llamado Galería al Paso, donde contó con la colaboración de 12 grupos de artistas, quienes a punta de fotografías, bailes y un cuanto hay, dejaron atónitos a todos los que pasaban por el lugar.
Esta artista y gestora cultural está constantemente en conexión con lo que ocurre en la ciudad de Rancagua, esto a pesar de que se radicó hace unos siete años en Santiago, ya que destaca que debe haber una historia, un contexto, detrás de las intervenciones que realiza, todo tiene que estar enlazado, sino sus trabajos no tendrían sentido.
En la siguiente entrevista, Coté cuenta cómo lleva a cabo su trabajo, las cosas que le importan del medio, las falencias culturales de la ciudad y además, explica sus más recientes proyectos y futuras realizaciones.

¿Por qué realizas intervenciones y no muestras artísticas más tradicionales?
Me gusta que la obra interrumpa un espacio cotidiano, que la señora que va a comprar el pescado todos los domingos de repente se encuentre con algo que le haga sentido, o que lo encuentre bonito, o que después lo pueda relacionar de alguna manera, no hacer obras fáciles, sino que obras que sean más amables, que tengan una lectura visual primero, después que tengan un nivel de consistencia. Trabajo en espacios públicos porque no me interesa hacer arte para los artistas.

¿Qué es lo que esperas producir con estos montajes que intervienen la cotidianeidad?
Me pasa que soy licenciada en arte y me muevo en un mundo donde casi todos mis amigos son artistas, pero incluso en nosotros, no hay un hábito de ver arte, no es por una cosa de flojera, pero siento que el arte que se muestra en galerías o museos se ha convertido en un lenguaje a parte, a mi me gusta producir obras que puedan tener distintos niveles de llegada, y para eso no necesito un espacio que me albergue.

¿Cómo fue la experiencia de intervenir el Mercado de Rancagua el año pasado?
Lo del mercado fue súper bueno, mucha gente involucrada y finalmente cumplió sus objetivo, me gustaría poder trasladar la idea a otros Mercados de Chile pero no me interesa hacer cosas así en Santiago por ejemplo, a no ser que se haga en periferias. En realidad Galería al Paso, entre otras cosas, es un salvavidas para lugares en donde no hay movimiento.

¿Cómo financiaste el proyecto del Mercado?
Lo autofinancié y tuve algunos pequeños auspiciadores. Una sola vez me he ganado el Fondart, y no fue para creación de obras, fue para becas y pasantías, hice una pasantía de Gestión Cultural en Buenos Aires, me fui tres meses allá, trabajé en una galería de Arte Contemporáneo, y ahí aprendí que si las cosas no se hacen con autogestión no acomodan tanto, porque hay que responderle a muchas personas, entonces, la línea editorial cambia cuando uno postula a fondos, porque tienes que poner logos, o aveces, quieres hacer más cosas pero no eres libre.

¿Qué crítica le harías al nivel de gestión cultural de Rancagua?
Siento que acá falta refrescar la mirada y hacer un poco más seria la gestión cultural. Hay gente que hace gestión, pero no es una cuestión de un organismo que se haga cargo de organizar ciertos eventos o ciertos flujos, estamos tan cerca de Santiago, imagino que no es tan difícil generar núcleos serios.

¿Sientes que al rancagüino promedio no le interesa el arte?
Yo no creo que la falta de interés sea culpa del público, los artistas son los que no hacen interesantes sus propuestas, creo que las personas no usan el lenguaje apropiado. No se trata solamente de intervenir lugares públicos con cualquier obra.

¿Cuál es tu proyecto actual?
Ahora estoy trabajando en un proyecto, que es dentro de Galería al Paso pero no necesariamente Galería al Paso, que se llama “Makelovenotart”, que son una serie de intervenciones públicas, como de Street Art. Hace poco hice una fuera del mall, en la pared blanca que está por Mujica, la que tapa la construcción que se está haciendo ahí. Duró un par de semanas ahí.
  


¿Cómo se te ocurrió hacer la intervención en la calle Mujica?
De repente vi todo esto cerrado y pintado de blanco, al otro día los mismos trabajadores de la construcción hicieron unas ventanitas pequeñas en ese muro, y con ellos te invitan a mirar, así que armé estos tres personajes, un hombre, una niña y un perro para que de alguna manera la gente que mirara de verdad viera lo que estaba pasando, ahi, en medio del centro de Rancagua...otro centro de consumo máximo más.

¿Tuviste problemas con ese montaje?
Cuando vi las ventanitas supe lo que tenía que hacer, llegué a mi casa y me puse a dibujar los monos, los hice en papel, le pedí a mi hermano que me acompañara a pegarlos, y cuando estaba lista para pegar con el engrudo, me alumbran los guardias, pero justo había hecho una prueba de montaje en mi casa, les expliqué lo que quería hacer, y como lo encontraron lindo, me dejaron pegarlos.

¿Qué efecto causó esta intervención en la gente?
Les gustó mucho, se quedaban harto rato mirándola, y también miraban por las ventanitas, igual que los personajes. Nunca voy a saber si logró su objetivo de crear opinión frente a la mole comercial, pero yo creo que en más de alguien sí.

¿Qué metas y proyectos tienes a futuro?
Mi meta con Galería al Paso es hacer una exposición anual por lo menos, por el problema de gestión porque yo trabajo sola, no tengo un equipo, yo invito a algunas personas a participar. Tengo varias intervenciones que se van a hacer acá en Rancagua, que van a ir apareciendo en distintos lugares que a mi me parecen que hay que llamar un poquito la atención. La idea es llamar la atención sobre algo que va pasando, como lo que hice al lado del mall, en calle Mujica.

La critica es un asunto moral y otras cosas de sábado

Este sábado, como hace mucho tiempo no me pasaba, quise salir a ver arte. Quizá me motivó el hecho de que era el último día para ver la expo del MAVI o que había sol y eso hay que aprovecharlo. En fin, la visita valió la pena y esto fue lo que encontré.

Lo primero que vi apenas me bajé de la micro me alegró el día. En las vitrinas del GAM, parte de la tienda de PUMA, hay una serie de intervenciones de Montt y Olea titulada Extraños placeres de la gente, que son ilustraciones pintadas algo asi como con esmalte al agua y puestas a la vista de los transeúntes con frases como "El placer de recolectar conquistas", "El placer de estar seguro", "El placer de ver televisión" y otros por el estilo. Notable el dúo, siempre hacen cosas que a uno lo hacen disfrutar desde lo que parece más simple pero que, a mi juicio, es muy dificil, mezclar el humor, el texto y la gráfica. Lo más bonito de todo, aparte de estar directamente expuesto a la calle, es que da la impresión de que los ilustradores estuvieron trabajando ahí mismo dentro de las vitrinas, porque hay chorreos de pintura y pisadas en cada uno de los módulos y uno, cual Papelucho, se imagina algo asi como un action painting criollo y figurativo.

Cruzando la calle, en la Sala de Arte del Centro de Extensión de la Católica, hay una exposición colectiva llamada Minimax, en la que tres artistas trabajan con la cerámica como material para generar propuestas muy diferentes entre si: Déborah Ahumada, Paula Subercaseaux y Francisca Valdivieso.

El trabajo de color que hace Déborah es bien impresionante, son tres paneles de 1,13 x 3,00 mts que muestran imágenes de prensa de un volcán, de las marchas estudiantiles y del maremoto respectivamente, y que fueron trabajadas con teselas de vidrio y cerámica a manera de pixeles. Tuve la oportunidad de hablar con ella esta semana (se viene la entrevista) y me contaba que no pudo estar segura de que su estrategia de construcción del trabajo funcionaría hasta el momento del montaje, porque en su casa no tenía espacio para probar, es decir, nunca supo si realmente la imagen se armaba a los ojos del espectador hasta el momento de la instalación en la galería, detalle que me tenía curiosa desde que me lo contó.

El trabajo puede verse de lejos y de cerca, mientras la imagen desaparece y van encontrándose los detalles de cada una de las teselas.

  

 

El trabajo de Francisca Valdivieso es lo absolutamente opuesto a la obra de Déborah. Un trabajo al que hay que acercarse, mirar con detención y luego mirar de nuevo, siempre de cerca. La obra está formada por varias piezas de porcelana de no más de 30 cms, que brillan bajo foquitos dicroicos que resaltan los reflejos de las figuras. Parecen personajes de cuentos, o de sueños, o de los recuerdos de la infancia ochentera, cuando las mamás coleccionaban adornos similares y a uno le daban ganas de jugar con ellos. Lo que me gustó de este trabajo fue que brinda la posibilidad de entrar por la estética de los objetos y después quedarse pensando en las posibles historias que se podían armar, con resursos propios y ajenos, haciendo referencia también al concepto de unheimlich, esa característica que, según Freud, define los objetos o situaciones que no pertenecen a ningún lugar pero que, sin embargo, se generan en lo mas íntimo del hogar y se instalan en el inconciente de una manera desplazada y extraña, familiar pero siniestra y perversa a la vez.

 

Para descansar de tanta visualidad, porque cansa ver mucho arte de una vez, entré a ver de qué se trataba la exposición de Walter Benjamin que se promociona en los pendones exteriores del GAM. La expo, abierta hasta el 1º de julio, es una muy buena muestra de cómo hacer para comunicar ideas de alto contenido teórico a través de un montaje impecable, muy efectivo y amable. Se separa en tres partes, Constelaciones, Atlas de WB y Modelos de audición, elementos estables que además se complementan con una serie de charlas y una película.

Al entrar a la Sala de Artes Visuales, lo primero que se ve es Constelaciones, una proyección gigante antecedida de telones transparentes con frases de Benjamin. Frente a las proyecciones, unos bancos con palabras como AURA,  LABERINTO, PASEANTE y otras, las que podrían parecer excesivas en un principio, pero que en el montaje se vuelven acordes con todo lo demás. La proyección muestra fragmentos de registros cinematográficos de época a la vez que va presentando textos de Benjamin, ilustrando los pasajes más importantes de su obra con conceptos como el de flâneur, la obra de arte y la reproductibilidad técnica y el teatro de Brecht entre otros, los que se van haciendo fáciles de entender a medida que pasan las imágenes, rematadas de frases como "La crítica es un asunto moral", "El aura es la repetición de una lejanía, por cercana que esta pueda hallarse", o "La mirada siempre tiene la expectativa de ser devuelta a quien la dirige"...sentí que haberlo visto antes me habría hecho las cosas tan fáciles, ja.

Atlas de WB es una plataforma interactiva donde uno puede ver los títulos y algunos párrafos de las publicaciones de Benjamin con links de diversa naturaleza y, por otro lado, Modelos de audición son locuciones de los guiones elaborados por WB para una radio alemana entre 1929 y 1933.

 

 

Y bueno, por fin llegué a ver el trabajo de Mónica Bengoa en su último día de exposición. Yo ya lo había visto en la inauguración, pero como ya sabemos, las inauguraciones son para otras cosas, para saludar, ver gente, compartir y tomar vino, asi que tenía que verla nuevamente...si usted no la vio, ponga atención.

Los trabajos de Mónica siempre son del tipo wow. No quiero sonar fan pero no hay nada que hacer. 

Einige Beobachtungen über Insekten und Wildblumen o Algunas consideraciones sobre los insectos y las flores silvestres estaba formada por cuatro obras, las que a su vez forman parte de la investigación El fieltro como soporte de un nuevo ejercicio óptico, Fondart Bicentenario para el Fomento a la Creación de Excelencia, el que consiste en la producción de una serie de murales de fieltro a gran escala calados a mano.

Cuando volví a ver los murales de fieltro me acordé de la frase de Benjamin "Nada que decir, sólo mostrar", y es que eso me pasa con este tipo de trabajos, en los que por mucho que se quiera hablar o explicar, siempre es mejor sólo mirar, y que, por ende, son mucho mas valorables en vivo y en directo.

 Al entrar se ve el mural más extenso y simple, al menos en la manera que se construye la imagen sólo con contraste de negro sobre blanco. 

 

Luego, al bajar, aparecían los otros tres, de a poco, uno negro primero y dos rojos al final, como sellando con color.

En las cuatro piezas pasa algo cuando uno ve desde lejos y reconoce las formas del paisaje, de los libros y las flores, pero que al acercarse se transforman en abstracción, así como pasaba también en el trabajo de las teselas de Déborah. En ese punto es muy probable que se uno se quedara mucho rato pegada en los detalles, sin pensar tanto en por qué son bichos y texto en alemán o en la importancia del referente fotográfico, datos que aunque son importantes y ayudan a complementar y digerir, se tornan irrelevantes enfrentados a la materialidad y el trabajo que denotan los murales.

 

    

 

Para cerrar, sólo quiero hacer un comentario y una recomendación.

El comentario es que cuando me fui a tomar la micro de vuelta a mi casa, vi cómo pintaban un muro de OSB con color verde acorde con el paisaje del parque forestal y lo sentí como el broche de oro de mi tarde cultural. Es curioso ese afán de los alcaldes de mimetizarlo todo.

Y por último la recomendación: hay que armarse de valor y estabilidad emocional, ojalá tener una libretita de apuntes, e ir a ver la obra de Radrigán, Redoble fúnebre para lobos y corderos.

Eso no más.

Entrevista a Constanza Cale

Constanza Cale es actriz, docente y directora de teatro, aunque su vocación artística le ha permitido desenvolverse en varias disciplinas, que, finalmente se han vuelto una trama que sostiene su idea wagneriana de lo ella misma define como "arte total".

Publicado en Extensión UC

 
Constanza junto a Diego Flores, Banda En Celofán

Constanza siempre supo que quería ser artista, desde cualquier disciplina, pero artista. Así, probó con la escritura, la danza, el canto y la visualidad, recorrido que finalmente decantó en su pasión por el teatro, " desde muy chica experimenté varias aristas del arte, desde el canto hasta la pintura, lo que necesitaba de alguna manera era expresar cosas, ideas...hasta que finalmente me decidi por insistir con el teatro porque me motiva el trabajo grupal o lo que me acomoda definir como arte integral o total porque no concibo las artes por separado".
En la siguiente entrevista, conoceremos un poco de su vida, sus intereses y las razones que la mueven a estar en Rancagua, lugar donde vive y trabaja. 

La carrera de actuación, era lo que tu pensabas?

- Si, en realidad las escuelas de teatro tienen sus diferencias pero yo ya conocía a grandes rasgos como funcionaba la escuela de la UC porque asistí a algunos cursos extraprogramáticos y ahí me decidí. Siento que la metodología y el rigor que exigen en la Escuela me ha servido mucho en mi desempeño profesional, pre y posterior al egreso pues es una manera de entender que el actor nunca debe dejar de trabajar, es un proceso que no termina en la universidad.

En qué cosas has trabajado desde tu egreso?
- En el tiempo que viví en Santiago y poco despues de salir de la universidad participé en una Temporada en el TEUC, con obras dirigidas por Claudia Echenique. Luego de eso, dirigí una obra llamaba FAQ Destino, con la compañía Niñitas Jeanette y actué en la obra O Edipus de Teatro La Madre, en donde actuaba y cantaba.
En el 2005 me ofrecieron hacer un ramo de Teatro y educación en la Universidad del Desarrollo en Concepción y ese fue mi primer acercamiento a la pedagogía, que es a lo que me dedico ahora.
Luego de una temporada muy intensa de viajes y clases sentí la necesidad de volver a Rancagua a vivir y a trabajar por el desarrollo del teatro regional, cosa que logré haciendome parte del Colectivo Prende como Directora Ejecutiva, un colectivo artístico que reúne profesionales de varias disciplinas humanistas y que se organiza en pro de desarrollar actividades culturales. Con el Colectivo siento que desarrollé una nueva faceta, muy necesaria por lo demás en el área de la gestión.

Qué proyectos artísticos destacas de tu carrera?
- Sin duda creo que lo más importante de mi carrera profesional fue dirigir la obra SEWELL, Teatro Musical en Rancagua en el año 2010. Dirigir un trabajo tan grande me permitió tener por fin la experiencia de proyectarme como directora que como actriz, cosa que siempre quise porque aun mientras actúo siento que me autodirijo. Además Sewell es una obra que une muchas áreas creativas como el canto, la danza, el teatro y la investigación.

 
Sewell, Teatro musical

A qué te dedicas ahora?
- Llevo 5 años ejerciendo como profesora de teatro en el Instituto San Fernando, que pertenece a la congregación Marista. El año 2010 hice un Diplomado de Pedagogía Teatral en la UC, lo que me permitió, entre otras cosas, hacer clases dentro del sistema educativo, es decir, las clases que hago desde 5º básico hasta 4º medio están dentro del currículo del colegio, lo que es un gran logro personal.

En teatro estoy trabajando en un proyecto ganador de FONDART 2012 que se llama "Háblame como la lluvia", adaptación de un texto de Tennessee Williams, junto a la Compañía Panorámica Teatro y dirigida por Gabriel Bosque.

Y como parte de mi faceta musical, estoy trabajando con Guillermo Morán en nuestro proyecto tributo a Bjork, llamado Hipertrip y por otro lado, en un dúo donde soy vocalista que se llama En Celofán, junto a Diego Flores.

También pertenezco a Loconinas, un grupo musical donde somos sólo mujeres que hacemos música latinoamericana y tributamos a Violeta Parra, que es algo así como nuestra mentora.

 
Loconinas

Entre nos, cuál es el trabajo más raro que has hecho?
- (Risas). Después de egresar trabajé durante un año y medio en la Clínica Alemana...y fuí un corpóreo llamado Pepo. Eso es lejos el trabajo más raro que he hecho pero eso mismo, unos años después se transformó en un antecedente para un proyecto de cuentacuentos que realicé en hospitales...al final todas las experiencias cuentan!


Gracias Coto!

Confesiones de Picasso

Sin mucho preámbulo, quiero compartir un texto muy esclarecedor...aunque ya tenga muchos años.
Picasso sabía ya en los años 60, y casi a manera de predicción, que el arte y la figura del artista ya no existiría más...o por lo menos no el su sentido más estricto.

Quizá si saliéramos en la tele...a lo Luly...ajjaja..no, quizá no.



Texto íntegro de las declaraciones hechas por Pablo Picasso a la revista de L´ Association Populaite des Amis de Musées, “Le Musée vivant” nº 17-18 del año 1963.

“Cuando yo era joven, igual que todos los jóvenes, tuve la religión del arte, del gran arte; pero con el correr de los años me he dedo cuenta de que el arte, tal y como se lo concebía hasta finales de 1800, está ya acabado, moribundo, condenado, y que la pretendida actividad artística, con todo su florecimiento, no es más que la manifestación multiforme de su agonía. Los hombres se apartan, se desinteresan cada vez más de la pintura, de la escultura, de la poesía; aparte de las apariencias contrarias, los hombres de hoy tienen puesto su corazón en otra cosa muy distinta: las máquinas, los descubrimientos científicos, la riqueza, el dominio de las fuerzas naturales, y de todos lo territorios del mundo. Nosotros ya no sentimos el arte como una necesidad vital, una necesidad espiritual, como era el caso de los siglos pasados”.

“Muchos de entre nosotros siguen siendo artistas y ocupándose del arte por unas razones que tienen muy poco que ver con el verdadero arte, sino por espíritu de imitación, por nostalgia de la tradición, por inercia, por el gusto de la ostentación, del lujo, de la curiosidad intelectual, por moda o por cálculo. Viven todavía por costumbre y por esnobismo, en un reciente pasado, pero la gran mayoría de ellos, en todos los medios, no tienen ya una pasión sincera por el arte, al cual consideran, todo lo más, como una diversión, un ocio y ornamento”.

“Las nuevas generaciones, amantes de la mecánica y del deporte, más sinceras, más cínicas y brutales, irán dejando el arte, poco a poco, relegado a los museos y las bibliotecas, como una incomprensible e inútil reliquia del pasado. En el momento en que el arte ya no es alimento de los mejores, el artista puede exteriorizar su talento en toda clase de tentativas de nuevas fórmulas, en todos los caprichos y fantasías, en todos los expedientes de la charlatanería intelectual. El pueblo ya no busca ni consuelo ni exaltación en las artes. Y los refinados, los ricos, los ociosos, los destiladores de quintaesencias, buscan lo nuevo, lo extraordinario, lo original, lo extravagante, lo escandaloso. Por mi parte, desde el “cubismo” y más lejos aún, he contentado a esos señores y a esos críticos con las múltiples extravagancias que me han venido a la cabeza, y cuanto menos las han comprendido, más las han admirado. A fuerza de divertirme con todos esos juegos, con todas esas paparruchas, esos rompecabezas, acertijos y arabescos, me hice célebre rápidamente. Y la celebridad significa para un pintor: ventas, ganancias, fortuna, riqueza”.

“En la actualidad, como sabéis, soy célebre y muy rico. Pero cuando estoy a solas conmigo mismo, no tengo el valor de considerarme artista en el sentido grande y antiguo de la palabra”.

“Ha habido grandes pintores como Giotto, Tiziano, Rembrandt y Goya. Yo no soy más que un bufón público que ha comprendido su tiempo. La mía es una amarga confesión, más dolorosa de lo que pueda parecer, pero que tiene el mérito de ser sincera”.